Arte y Cultura

La Malinche: Entre la traición y el heroísmo, un análisis contemporáneo

La Malinche: Entre la traición y el heroísmo, un análisis contemporáneo

Monterrey, Nuevo León, 12 de septiembre de 2024.– Malitzin, una de las figuras más controvertidas de la Conquista, a menudo retratada como traidora y cuya imagen ha oscilado entre la condena y la reivindicación, será el tema central del ciclo Historia a Debate: ¿Villanas y villanos en la historia?, el próximo 18 de septiembre a las 19:00 horas en el Museo de Historia Mexicana.  

En este ciclo, coordinado por Óscar Tamez, el público podrá cuestionar el tratamiento histórico de Malitzin y reflexionar sobre el complejo papel que desempeñó como intérprete y mediadora durante la llegada de los españoles. Su figura es clave en los eventos que moldearon la sociedad mexicana, pero también ha sido objeto de juicios simplistas.  

Participarán en esta revisión historiográfica Juana Margarita Domínguez Martínez y Héctor Jaime Treviño Villarreal, bajo la moderación de Óscar Tamez.  

“Malitzin ha sido vista a lo largo de los siglos como el símbolo de la traición, pero pocos se detienen a considerar su contexto y las decisiones que tuvo que tomar en un momento crítico para su pueblo y su vida”, señala Tamez.  

Agrega que la vida de Malitzin cambió radicalmente “el 17 de abril de 1519, cuando, con apenas 18 años, aborda uno de los barcos españoles. Será bautizada por fray Bartolomé de Olmedo con el nombre de Marina y entregada como esclava y acompañante a Alonso Hernández. Pronto se convertirá en protagonista de una de las etapas más importantes de la historia occidental, cuando Cortés descubre su inteligencia y capacidad como políglota”.  

El ciclo, organizado en colaboración con la Sociedad Nuevoleonesa de Historia, Geografía y Estadística, A. C., y el Centro de Estudios Políticos e Historia Presente, A. C., ofrecerá una revisión académica y apolítica sobre figuras históricas clave.  

El Museo de Historia Mexicana, se encuentra ubicado en Dr. José Ma. Coss 445, Monterrey, N. L.  

Para más información y registro, los interesados pueden visitar la página oficial www.3museos.com.

FOTO MUSEO DE HISTORIA MEXICANA

La Joyería como Arte: Entrevista a la artista Carmen Lozano, que Revoluciona la Joyería en México

La Joyería como Arte: Entrevista a la artista Carmen Lozano, que Revoluciona la Joyería en México

Monterrey, Nuevo León, México, 10 de septiembre de 2024.-En el vibrante mundo del arte y el diseño, pocos han logrado combinar la pasión por la creación con la innovación de manera tan impactante como la artista mexicana Carmen Lozano. 

Esta destacada artista plástica, egresada de la carrera de Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Nuevo León (UANL), ha sabido canalizar su talento a través de diversas disciplinas, dejando su huella en cada una de ellas. 

Con una especialización en diseño y producción de joyería adquirida en la Universidad CNCI y EGADE Business School, Carmen ha desarrollado un estilo único que desafía las nociones tradicionales de la joyería.  

Su trabajo no solo destaca por la estética, sino también por su conceptualización profunda, en la que se entrelazan técnicas contemporáneas con una visión artística que invita a la reflexión.

En esta entrevista exclusiva, que concedió a Tribuna Noreste tendremos la oportunidad de conocer más sobre su trayectoria, sus inspiraciones y el enfoque que da a su arte.  

Además, nos compartirá detalles sobre su próximo Taller de Joyería Experimental, una experiencia que promete desafiar los límites de la creatividad y abrir un abanico de posibilidades para aquellos que deseen explorar el fascinante mundo de la joyería desde una perspectiva de vanguardia. 

Dicho taller iniciará el sábado 28 de septiembre en horario de 10:00 AM a 1:00 PM en el Espacio Cultural “La Gloria”, del promotor cultural Ernesto Pérez, “El Gallo”, ubicado Padre Mier 1003 Ote., esquina con Mina en Barrio Antiguo, Monterrey.

Los asistentes al Taller de Joyería Experimental vivirán el proceso creativo de diseñar y realizar piezas de joyería explorando diversos materiales como el papel, textiles, alambre, plásticos y materiales reciclados, por mencionar algunos, mismos que irán transformando con su creatividad para tener como resultado una pieza con concepto propio y original. 

Las piezas a realizar son: collares, colgantes, anillos, aretes, broches y pulseras. No se requiere conocimiento ni experiencia previa en joyería, únicamente tener la inquietud de dar rienda suelta a la imaginación.  

Las sesiones son de tres horas de duración y cada participante deberá llevar sus propios materiales (no están incluidos en el costo del taller). El cupo es limitado a 10 asistentes. El costo es de $500 pesos por sesión. (No incluye materiales). Reserva de lugar al Tel 8184606383 y 812030452. El espacio cuenta con estacionamiento y servicio de cafetería. 

El diálogo con Carmen Lozano fue enriquecedor y revelador, nos permitió explorar su universo creativo y su contribución al arte contemporáneo.

 

¿Qué te llevó a estudiar Artes Visuales en la UANL y cómo has aplicado esa formación en tu carrera artística? 

La curiosidad por descubrir qué es el arte visual y la necesidad de expresarme. A los 22 años presenté mi primera exposición individual que fue de grabado y después de cuarenta años en este camino mi curiosidad sigue en aumento. Creo que lo aplico en casi todo lo que hago de manera profesional y en la vida misma. 

 

¿Cuáles fueron tus experiencias más significativas durante tus estudios en La Esmeralda del INBA? 

Estudie grabado con el extraordinario Maestro, Arista y Grabador Octavio Bajonero Gil, él me transmitió la importancia de la experimentación en cuanto al uso de los materiales, ser innovadora en los recursos técnicos a utilizar y también la disciplina y el rigor en el taller y todo ello es lo que sostenido mi trabajo.  

 

¿Qué te motivó a especializarte en Diseño y Producción de Joyería en la Universidad CNCI y EGADE Business School? 

La joyería técnicamente siempre me ha interesado y llegó a mí en un momento de mi vida en el que tenía la inquietud de ampliar mis recursos técnicos, por otro lado, la joyería como objeto me es imprescindible, la considero como una especie de extensión de mi cuerpo.  

 

¿Cómo influyen tus estudios en diseño y negocios en tu práctica como artista plástica? 

Me revolucionó totalmente ya que es un medio de posibilidades inagotables que me permite abordar conceptos distintos a la narrativa que puedo tener en mi producción multidisciplinaria en el arte y en donde los cuerpos humanos se han convertido en soportes itinerantes de mis piezas de joyería de autor, que en realidad son esculturas en pequeño formato. 

 

¿Hay algún profesor o mentor que haya dejado una huella profunda en tu formación artística? 

Por supuesto, en artes visuales a José Luis Martínez, Diseñador Gráfico, al Arq. Armando V. Flores Salazar, mi Maestra de grabado Saskia Juárez, Octaviano Bajonero y Francisco (Paco) Patlan, también grabador y a Annie Blase, que logró que me enamorara de la teoría en el arte; como Mentor a Don Alfonso Rangel Guerra que me adoptó generosamente de pupila y me apoyó en mi quehacer profesional laboral en la enseñanza de arte y gestión cultural, a todos ellos mi agradecimiento, admiración, respeto y cariño. 

 

¿Cómo describirías tu estilo artístico y qué temas recurrentes se encuentran en tu obra? 

Prácticamente mi producción se inscribe en lo conceptual y minimalismo y conceptos como la memoria, el silencio y vulnerabilidad han estado presentes a lo largo de mi producción.  

 

¿Qué materiales prefieres utilizar en tus creaciones y por qué? 

La utilización de materiales no convencionales como el jabón, el pan ácimo, por mencionar algunos y dentro de ellos me apasionan los efímeros y evanescentes, porque el material del que estamos hechos los humanos se va desgastando también lentamente.  

 

 ¿Hay alguna obra o exposición a la que sientas un apego especial y por qué? 

Si, tengo algunas consentidas de grabado, de las piezas de jabón zote, de cartón y de las de hostias. En joyería, las de cerámica que están bordadas en punto de cruz.  

En exposiciones obvio la primera individual, la primera en la que participé en el Museo Carrillo Gil del INBA, también mi participación junto con autores como Aníbal Angulo, Nunik Sauret, Gilberto Aceves Navarro y José Luis Cuevas, entre otros, en una carpeta de grabados que realizó el CONACULTA en homenaje a Octavio Paz y por último la primera exposición en la que me invitaron de España con motivo de homenaje a Federico García Lorca a cien años de su nacimiento y en la que tuve el enorme honor de mostrar mi pieza al lado de artistas que jamás pensé lo haría, como Eduardo Chillida, Juan Brossa, Fernando Bellver, Chema Madoz y Antoni Tapies, por decir alguno. 

 

¿Cómo ha evolucionado tu trabajo a lo largo de los años? 

Como te dije, comencé como grabadora y la búsqueda me ha llevado a un quehacer multidisciplinario en lo que lo discursivo y lo estético ha sido muy cambiante pero que sigo transitando por rumbos nuevos e interesantes que me llevarán a no sé dónde y eso está perfecto.  

 

 ¿Qué te inspiró a ofrecer un Taller de Joyería Experimental, y qué esperas que los participantes aprendan? 

La joyería es un oficio milenario, sin embargo, en el sentido ortodoxo es un conocimiento al que pocos tienen acceso y compartir lo que se es una forma de ofrecer nuevas herramientas técnicas y posibilidades creativas a los interesados. Me he dedicado a la enseñanza de arte, diseñado cursos, talleres y diplomados de producción, teoría de arte actual y creatividad, así que mi vocación por la enseñanza la ejerzo con entusiasmo y responsabilidad. 

 

¿Qué técnicas o conceptos únicos planeas enseñar en este taller? 

Los Neanderthales fueron los primeros en realizar joyas con huesos, dientes y piedras como signo de estatus y como una forma funcional y utilitaria para sujetar los elementos con los que vestían y desde entonces, hasta la actualidad, la joyería es una expresión cultural que se mantiene de manera cotidiana entre nosotros como un accesorio para decorar el cuerpo.  

 

 ¿Cómo crees que la joyería puede ser un medio de expresión artística? 

El taller se impartirá en el espacio La Gloria ubicado en el Barrio Antiguo de Monterrey, su propietario Ernesto Pérez, “El Gallo”, Promotor Cultural y Cantautor de reconocida trayectoria, me invitó a colaborar con él y así surge el proyecto del Taller de Joyería Experimental y está dirigido a todo público sin restricciones, con o sin conocimiento previo en joyería, únicamente necesitan tener la inquietud de realizar piezas de joyería.

 

 ¿A qué tipo de artistas o interesados está dirigido el taller?   

Que los asistentes adquieren nuevas herramientas y pongan en práctica sus habilidades manuales y creativas para adentrarse en el mundo apasionante de la joyería al que le impriman su sello personal.  

 

¿Qué proyectos tienes en mente para el futuro, ya sea en exposiciones, talleres o nuevas creaciones? 

Próximamente, dar a conocer la nueva colección limitada de joyería de autor, estoy en medio de una serie de piezas que se conforman con lágrimas humanas y sintéticas y en otros proyectos que en su momento te comentaré. 

 

  • La Maestra Carmen Lozano, Artista Visual, cuenta con trayectoria internacional, tanto en su producción como artista, como en exposiciones de su joyería de autor. 

Nació en CDMX en 1960 y radica en Monterrey, Nuevo León, México desde 1969. Realizó estudios de Artes Visuales en la UANL, así como en La Esmeralda INBA. Estudió Diseño y Producción en Joyería en la Universidad CNCI y en EGADE Business School TEC de Monterrey. 

Ha realizado obra como artista invitada en La Parota, Comala, Colima y en el Taller Mayor 28 en Madrid. 

Su obra se ha expuesto de manera individual en Museos, Galerías, y Espacios Culturales de Monterrey, en CDMX en el Museo Carrillo Gil INBA y en otras ciudades de México, así como en recintos culturales de España, Cuba, Chile, Argentina, Estados Unidos, Uruguay y Japón. 

FOTOS: CORTESIA DE LA ARTISTA

Émile Zola: Un Legado Literario que Trasciende el Tiempo

Émile Zola: Un Legado Literario que Trasciende el Tiempo

Monterey, Nuevo León, México, 7 de septiembre de 2024.-Émile Zola (París, 2 de abril de 1840-París, 29 de septiembre de 1902), notable escritor francés, novelista, periodista y dramaturgo, no solo es un pilar de la literatura francesa, sino que su vasta obra literaria se erige como un testimonio atemporal de la lucha por la verdad y la justicia.  

Su enfoque naturalista sigue desafiando y enriqueciendo la comprensión de la humanidad, convirtiendo su legado en una fuente inagotable de reflexión para generaciones de lectores y escritores.  

En un momento en que el mundo enfrenta desafíos sociales y políticos, la voz de Zola es más pertinente que nunca, recordándonos el poder de la literatura como agente de cambio. 

 

Padre del Naturalismo 

Émile Zola, uno de los principales exponentes del naturalismo literario del siglo XIX, ha dejado una huella indeleble en la literatura mundial. No solo se destacó como novelista, sino también como crítico social, periodista y defensor de causas sociales y políticas de su tiempo.

Su vasta obra literaria, que comprende más de 30 novelas, ensayos y obras de teatro, se caracteriza por un enfoque riguroso y detallado de la realidad, en un contexto donde la literatura comenzaba a ser vista como un reflejo y un comentario de la sociedad. 

El naturalismo, corriente literaria que Zola ayudó a definir y popularizar, se fundamenta en la idea de que el comportamiento humano está influenciado por factores biológicos y sociales. Zola abogaba por un enfoque científico en la literatura, similar al que los científicos empleaban en sus investigaciones.  

A través de su estilo descriptivo y detallado, creó un retrato vívido de la vida en el París de su época, exponiendo las realidades crudas de la existencia humana, desde la pobreza y el sufrimiento hasta la lucha dentro de la clase trabajadora. 

Una de sus obras más célebres, Germinal, es un poderoso estudio sobre la vida de los mineros en Francia, que pone de relieve las condiciones laborales opresivas y la lucha de clases. En esta obra, Zola no solo narra la historia de sus personajes, sino que también denuncia las injusticias sociales de su contexto, convirtiéndose en un poderoso vehículo de protesta. 

 

La Serie de Les Rougon-Macquart 

La monumental serie de novelas conocida como Les Rougon-Macquart es quizás su mayor logro literario. Compuesto por 20 novelas, este ciclo familiar estudia las dinámicas de la sociedad francesa a través de la historia de dos ramas de una misma familia durante el Segundo Imperio Francés. Cada novela ofrece una perspectiva única sobre distintos aspectos de la vida social, política y económica, explorando temas como las pasiones y debilidades humanas, la herencia, el destino y la influencia del entorno sobre el individuo. 

A través de personajes memorables como Étienne Lantier, la lucha del proletariado, o Gervaise Macquart, que simboliza la vulnerabilidad humana, Zola logra que sus novelas sean más que simples relatos; son estudios profundos sobre la condición humana, que resuenan con los problemas contemporáneos. 

 

Legado y Relevancia Actual 

La obra de Émile Zola sigue siendo fundamental en el estudio de la literatura y la crítica social moderna. Su capacidad para entrelazar narrativa y análisis social le ha valido un lugar destacado en los cánones literarios. Las temáticas que abordó, como la luchade ver en numerosos escritores posteriores que adoptaron su enfoque realista y crítico. Autores como Guy de Maupassant, Marcel Proust e incluso contemporáneos como Haruki Murakami, han sido inspirados por el coraje de Zola para abordar la complejidad de la sociedad humana a través del prisma de la ficción. 

Los invitamos, sobre todo a las nuevas generaciones, a descubrir el universo literario de Émile Zola, sin duda, su poderosa prosa los atrapará desde las primeras hojas de sus diversas obras.

FOTO: DOMINIO PÚBLICO- WIKIPEDIA

CONARTE presente en la fiesta cultural de la FIL Coahuila 2024

CONARTE presente en la fiesta cultural de la FIL Coahuila 2024

Monterrey, Nuevo León, México, 9 de septiembre de 2024 – El Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León estará presente en la Feria Internacional del Libro Coahuila 2024, que, bajo el lema de “Leer es de gigantes” se desarrollará del viernes 13 al domingo 22 de septiembre en las instalaciones de Ciudad Universitaria UAdeC Arteaga, en Coahuila de Zaragoza. 

La FIL Coahuila 2024 contará con la presencia de Canadá y Chihuahua como país y estado invitados, respectivamente.  

El Pabellón Nuevo León, ubicado en el módulo número 11 del Área Institucional del recinto ferial, albergará las ediciones de CONARTE, el Fondo Editorial de Nuevo León, 3 Museos, y editoriales independientes como Tilde, Vaso Roto, ENE, Oficio, 42 líneas y Moneda.  

Con un total de mil 200 ejemplares de más de 100 títulos editados y coeditados por CONARTE, la oferta editorial en esta edición incluye el título “Veredas a la Sierra Madre”, de Raúl Quintanilla, ganador del Premio Nacional de Poesía Carmen Alardín 2023, que se presentará el jueves 19 de septiembre a las 19:00 horas en la Sala Manuel Acuña del recinto ferial, por el politólogo Ricardo Cantú.

El libro “El Inspector de Cartas Muertas”, de Ricardo Barba, Premio Nuevo León de Literatura 2023, se presentará el viernes 20 de septiembre, a las 19:00 horas en esa misma sala, por Nazul Aramayo, escritor y reportero coahuilense.  

Ambas presentaciones son con entrada libre. 

Los asistentes a esta feria del libro podrán conocer la obra de más de 90 autores de poesía, narrativa, patrimonio, arte, ensayo, historia y dramaturgia, así como las novedades editoriales. 

 

Anuncian la realización del  Festival Internacional Santa Lucía 2024

Anuncian la realización del  Festival Internacional Santa Lucía 2024

Monterrey, Nuevo León, México, 9 de septiembre de 2024.– El Festival Internacional Santa Lucía 2024, es un luminoso faro de esperanza y transformación, que busca no solo celebrar la cultura y el arte, sino también acercar a las comunidades, generar diálogos y fomentar un sentido de pertenencia entre sus habitantes. 

En su 17 Edición, esta magna fiesta cultural, que se realizará 19 de octubre al 03 de noviembre de 2024, desplegará el arte, en todas sus expresiones, que tiene el poder de unir corazones y mentes. En este festival, la música, la danza, el teatro y las artes plásticas se entrelazarán para crear un tapiz vibrante que refleje la diversidad y riqueza de cultural del mundo. 

El Gobernador del Estado, Samuel Alejandro García Sepúlveda encabezó la presentación de la Agenda Cultural de la 17 Edición del Festival Internacional Santa Lucía. 

En el LABNL Lab Cultural Ciudadano y ante funcionarios estatales y municipales, miembros del Patronato del FISL, asociaciones culturales y patrocinadores; el Mandatario estatal destacó la importancia de seguir impulsando el arte y la cultura en Nuevo León. 

“Decir fuerte y claro que no todo es industria, no todo es chamba, también hay mucha cultura en el Estado y por eso pido un aplauso a Melissa Segura, que ha hecho un gran trabajo desde la Secretaría de Cultura”, manifestó. 

“Queremos mezclar mucho dinamismo, Spring Break, cantos y también de talla mundial, para gente que esté metida en el gremio, entonces va a haber de todo”, agregó. 

El Gobernador dijo que previo al Mundial FIFA 2026, del cual Nuevo León será subsede, el Estado tiene que prepararse para pensar qué vamos a darle a conocer al mundo. 

“Aprovechamos este año y medio para unirnos y trabajar por Nuevo León; como neoloneses hagamos y destaquemos todo lo que nos une y hace grandes, entre ellos la cultura, el deporte, la industria y el trabajo rumbo al Mundial, porque rara vez hay de ese tipo de eventos, donde te ve el mundo”, señaló. 

Este año, el Festival Internacional Santa Lucía desplegará un amplio programa en 16 días con más de 240 expresiones artísticas provenientes de 26 países. Entre ellas, destacan más de 100 espectáculos artísticos de 50 compañías locales, nacionales e internacionales. 

Además, se presentarán 30 exposiciones de arte, 19 diálogos, 42 funciones de cine y dos concursos diseñados para impulsar el talento musical y gastronómico: “Nuevo Talento Nuevo León” y Nuevo León Sabe Bien”. 

En su intervención la Secretaria de Cultura, Melissa Segura señaló que este festival se ha consolidado como un referente cultural de alto impacto, tanto a nivel nacional como internacional. 

“Hoy más que nunca, los ojos de México y del mundo están puestos en nuestro Estado por el impulso de nuestro Gobernador Samuel García, para fortalecer y desarrollar tanto nuestra industria, como las políticas de desarrollo social, el impulso a la primera infancia, la relevancia de la participación ciudadana y por supuesto la cultura y las tradiciones de Nuevo León como elementos que son embajadores ante el mundo”, expresó. 

Desde la Secretaría de Cultura- expresó-, hemos trabajado con el firme compromiso de garantizar que las expresiones artísticas lleguen a cada rincón de Nuevo León, y el festival Santa Lucía es uno de los pilares para lograr su concreción.  

Por su parte, la presidenta del Patronato del FISL, Victoria Kühne desatacó la gran variedad de eventos que se desarrollarán en esta gran fiesta del arte y la cultura mundial.  

“Entre ellos, tendremos la presentación del músico y compositor Danny Elfman, quien junto con la Súper Orquesta ofrecerá un concierto sinfónico con las voces originales de la película “El Extraño Mundo de Jack” de Disney”, expresó. 

También, – dijo, se llevarán a cabo 18 conciertos en Esferas Culturales, Centros Comunitarios, y Centros de Reinserción Social. 

“Asimismo, se contará con la quinta edición del Festival de Calaveras a través de una celebración mágica en la Macroplaza, donde se podrá gozar el desfile del Día de Muertos lleno de color, música y tradiciones ancestrales”, señaló. 

El FISL es el evento cultural más grande en Nuevo León y punto de encuentro de artistas locales, nacionales e internacionales. 

De forma conjunta con diversas instituciones, el Festival ofrece exposiciones y diálogos para toda la familia de manera gratuita en espacios públicos y la gran mayoría al aire libre, involucrando a la sociedad sin distinción, lo que lo hace único en México. 

Su visión es acercar las artes a la gente y la gente a las artes, inspirando, transformando y conectando comunidades con sentido de pertenencia, empáticas e incluyentes. 

Por ello, con el compromiso de contribuir en la construcción de una sociedad más justa, equitativa e inclusiva, se busca llevar la cultura a cada rincón del Estado para llegar a ser uno de los mejores festivales culturales de Latinoamérica.

Durante la presentación de la agenda del festival, solistas de la Súper Orquesta interpretaron “Sally’s Song” de la película “El extraño Mundo de Jack”.


Acompañaron al Gobernador en el evento Javier Navarro, Secretario General de Gobierno y Érika López, Coordinadora Ejecutiva del FISL. 

FOTOS: COMUNICACIÓN DE GOBIERNO DE N.L.

Sube a escena “Cantor en Finito” en el Teatro del Centro de las Artes

Sube a escena “Cantor en Finito” en el Teatro del Centro de las Artes

Monterrey, Nuevo León, México, 7 de septiembre de 2024.-La búsqueda del infinito a través de la interpretación de dos actrices y un actor, es el tema que gira en la obra “Cantor en finito”, con la dramaturgia de Carlos Portillo y dirección de José Olivares, que se presenta hoy sábado 7 y mañana domingo 8 de septiembre a las 18:00 horas, en el Teatro del Centro de las Artes, ubicado al interior del Parque Fundidora. 

La obra explora el momento en el que se interceptan las historias de los personajes, tanto las propias como las de los demás, y cuándo una historia se convierte en propia o deja de serlo. 

“Estamos haciendo teatro experimental. Es una puesta muy diferente que incluye nuestras historias, incluso, hay un rompimiento de la ficción y un cuestionamiento de los personajes si somos nosotros mismos o es ficción y compartimos nuestras historias a través del infinito”, expresó la actriz Claudia Valeria. 

Durante cada presentación los actores invitan a los espectadores a participar con un recuerdo para incluirlo en la obra; esta participación de la audiencia permite que cada función sea única.  

La dirección general está a cargo de Janina Villarreal y el reparto está conformado por Claudia Valeria, Grisel Mojica y Santiago Fresnillo.  

Los boletos estarán disponibles en la taquilla del teatro una hora antes de cada función.

La entrada general es de 120 pesos y de 80 pesos para estudiantes, maestros y miembros del INAPAM con identificación vigente.

Más información en conarte.org.mx y redes sociales @conartenl. 

FOTOS: CONARTE

Invitan a participar en el concurso “Catrín y Catrina 2024: Historia Viva de México”

Invitan a participar en el concurso “Catrín y Catrina 2024: Historia Viva de México”

Monterrey, Nuevo León, México, 6 de septiembre de 2024.-El Museo de Historia Mexicana invita a participar en el concurso “Catrín y Catrina 2024: Historia Viva de México”, que rendirá homenaje a los personajes icónicos de la historia de México, inspirado en la exposición permanente del museo.

La convocatoria estará abierta a partir del 5 de septiembre y cerrará el 11 de octubre de 2024.  

El concurso “Catrín y Catrina 2024: Historia Viva de México” es un evento especial que forma parte de los festejos por el 30 aniversario del museo, por lo que la celebración estará llena de estilo y tradición.  

Este año, el concurso busca honrar la tradición del Día de Muertos y a los personajes que han dejado su huella en la cultura, el deporte, el cine o la música del país. 

La imagen de la Catrina, creada por el ilustrador José Guadalupe Posada a principios del siglo XX y popularizada por el muralista Diego Rivera, es un símbolo icónico del Día de Muertos en México.

La Catrina representa una crítica social a la clase alta mexicana de la época, pero con el tiempo se ha convertido en un símbolo que celebra la muerte como parte integral de la vida, recordándonos la igualdad de todos ante la muerte y la visión única que los mexicanos tienen sobre la muerte.

 

CÓMO PARTICIPAR  

Podrán participar personas de 7 años en adelante. Habrá 3 categorías: infantil, juvenil y adultos. Los participantes deberán personificarse como catrín o catrina, con vestuario y maquillaje inspirados en un personaje histórico mexicano.  

Las inscripciones estarán abiertas del 2 de septiembre al 11 de octubre de 2024. Para inscribirse y conocer las bases del concurso, se debe consultar la página www.3museos.com, donde además podrán descargar la ficha de registro y la hoja de Diseño y Caracterización, en la que deberán escribir una breve justificación de la elección de su personaje. Posteriormente, estos documentos se entregarán en la Coordinación Educativa del museo.  

Los tres primeros lugares de cada categoría serán elegidos por un jurado de expertos en historia, diseño de vestuario y cultura infantil. Habrá increíbles premios, como consolas de videojuegos, tablets y laptops. Además, todos los participantes recibirán una constancia que reconocerá su esfuerzo y dedicación.

 

 ¡NO TE LO PIERDAS! 

 Este 27 de octubre, en la explanada del Museo de Historia Mexicana, se vivirá una tarde llena de tradición, historia y mucho color. La entrada es libre y el cupo es ilimitado.  

Para más información, visita la página oficial de 3 Museos o contacta al equipo organizador a través de iavila@3museos.com o al teléfono 20-33-98 98 ext. 126. 

FOTO: MUSEO DE HISTORIA MEXICANA

Proyectarán retrospectiva de Akira Kurosawa en la Cineteca Nuevo León

Proyectarán retrospectiva de Akira Kurosawa en la Cineteca Nuevo León

Monterrey, Nuevo León, México, 6 de septiembre de 2024. – El Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León, en colaboración con la Fundación Japón en México, a través de la Cineteca Nuevo León “Alejandra Rangel Hinojosa”, presentan una retrospectiva de Akira Kurosawa.  

Del martes 10 al domingo 22 de septiembre, el público podrá disfrutar en pantalla grande la proyección de esta selección de 12 de sus películas más emblemáticas.  

Akira Kurosawa es reconocido como uno de los más grandes directores del cine mundial y maestro del cine japonés, su filmografía consta de 30 películas rodadas a lo largo de cinco décadas.  

Entre las películas que se proyectarán se encuentran grandes clásicos como, “Los siete samuráis”, “Rashomon”, “Trono de sangre”, “La fortaleza escondida” y “Sanjuro”, entre otras.  

Los boletos estarán disponibles en taquilla de la Cineteca. Entrada general 40 pesos; estudiantes, maestros e INAPAM con costo de 25 pesos.

 

CONOCE LA CARTELERA  

1.- El ángel ebrio (Japón, 1948) Sanada es un médico que vive atormentado, ahogando sus penas en el alcohol, a pesar de todo, ejerce su trabajo con dedicación en un barrio periférico del Tokio de posguerra. Cierto día, a altas horas de la noche, un hombre enfermo que le pide lo cure de una herida.

A partir de ese momento iniciará una extraña relación entre ambos. Inicia este ciclo el martes 10 de septiembre a las 21:00 horas.  

2.- El perro rabioso (Japón, 1949) Ambientada en la posguerra japonesa tras la II Guerra Mundial (1939–1945) con la estructura del thriller norteamericano y los convencionalismos japoneses, narra la historia de un joven detective al que le roban su pistola. Agobiado por un sentimiento de deshonor, emprende con un veterano compañero una incansable búsqueda que los lleva a los bajos fondos de Tokio. No te la pierdas el miércoles 11 de septiembre a las 20:30 horas.  

3.- Rashomon (Japón, 1950) traslada al Japón, siglo 12, bajo las puertas del derruido templo de Rashomon, se guarecen de la torrencial lluvia un leñador, un sacerdote budista y un peregrino. Los tres discuten sobre el juicio a un bandido, acusado de haber dado muerte a un señor feudal y abusado de su esposa. Los detalles del crimen son narrados desde el punto de vista del bandido, de la mujer, del señor feudal -con la ayuda de un médium- y del leñador, único testigo de los hechos. Se proyectará el jueves 12 de septiembre, en punto de las 21:00 horas. 

 4.- Vivir (Japón, 1952) Kanji Watanabe es un viejo funcionario público que arrastra una vida monótona y gris, sin hacer prácticamente nada. Sin embargo, no es consciente del vacío de su existencia hasta que un día le diagnostican un cáncer incurable. Con la certeza de que el fin de sus días se acerca, surge en él la necesidad de buscarle un sentido a la vida. Viernes 13 de septiembre, 20:30 horas.  

5.- Los siete samuráis (Japón, 1954) Una aldea de campesinos es repetidamente atacada y saqueada por unos bandidos. Aconsejados por el anciano de la aldea, unos aldeanos acuden a la ciudad con el objetivo de contratar a un grupo de samuráis para que los proteja. Pese a que el único salario es comida y techo, varios samuráis se van incorporando uno a uno al singular grupo que finalmente se dirige a la aldea. Para su disfrute el sábado 14 de septiembre, a las 17:00 horas.

6.- Trono de sangre (Japón, 1957) Es una adaptación del «Macbeth», de William Shakespeare, ambientada en el Japón feudal del siglo 16. Cuando los generales Taketori Washizu y Yoshaki Miki regresan de una victoriosa batalla, se encuentran en el camino con una extraña anciana, que profetiza que Washizu llegará a ser el señor del Castillo del Norte. A partir de ese momento, su esposa lo instigará hasta convencerlo de que debe cumplir su destino. Domingo 15 de septiembre, 17:00 horas. 

 7.- La fortaleza escondida (Japón, 1958) Matashichi y Tahei son dos soldados que huyen del conflicto bélico y buscan la riqueza. Cuando encuentran oro, se dan cuenta de que son vigilados por un silencioso y misterioso hombre, que finalmente resulta ser el célebre general Rokurota Makabe, quien utilizará a los dos soldados, ignorantes de la identidad de sus acompañantes, para transportar una gran cantidad de oro y liberar a la princesa Yukihime. Una comedia de aventuras que, de acuerdo con George Lucas, influyó notablemente en la construcción de personajes de la saga «Star Wars». Se proyectará el martes 17 de septiembre, a las 20:30 horas.  

8.- Yojimbo: El Mercenario (Japón, 1961) En el siglo 19, en un Japón todavía feudal, un samurái llega a un poblado, donde dos bandas de mercenarios luchan entre sí por el control del territorio. Muy pronto el recién llegado da muestras de ser un guerrero invencible, por lo que los jefes de las dos bandas intentan contratar sus servicios. Llegará a la pantalla el miércoles 18 de septiembre, a las 21:00 horas. 

 9.- Sanjuro (Japón, 1962) En el Japón de la era Tokugawa, un grupo de nueve jóvenes samuráis está decidido a acabar con la corrupción reinante y a acabar con todos los que están relacionados con ella. Consiguen el apoyo del inspector de policía Kikui y se preparan para llevar a cabo su plan. Poco después, aparece Sanjuro, un personaje salido de entre las sombras, que empezará a actuar y a poner orden en medio del caos. La función será el jueves 19 de septiembre, a las 21:00 horas.

10.- El infierno del odio (Japón, 1963) En un momento crucial de su vida financiera, Gondo, un directivo de una importante empresa de zapatos, recibe la noticia de que su hijo ha sido secuestrado. El rescate exigido es una gran cantidad de dinero, pero Gondo, la necesita para cerrar una negociación que le dará el control de la empresa. Viernes 20 de septiembre, 20:30 horas.

11.- Barbarroja (Japón, 1965) El joven doctor Yasuoto regresa a su pueblo después de estudiar en Nagasaki, pero en cuanto llega sufre una gran desilusión al ser enviado a una clínica que cuenta con muy pocos recursos y está dirigida por un médico apodado «Barbarroja». Allí, el nuevo interino adopta una actitud arrogante, negándose a usar uniforme y rebelándose contra el resto de médicos. Hay que asistir el sábado 21 de septiembre a las 17:30 horas.  

12.- Dodeska-Den (Japón, 1970) Primer filme en color de Kurosawa. Retrata a un grupo de vecinos de los barrios bajos de Tokio, que usan la imaginación para enfrentarse al desolador panorama de miseria y alcoholismo en el que viven. Cerrará el ciclo el domingo 22 de septiembre a las 18:30 horas.  

Consulta la cartelera en conarte.org.mx y redes sociales @conartenl.

Fotos: CONARTE

Invita CONARTE a deleitarse con el concierto de Célimène Daudet

Invita CONARTE a deleitarse con el concierto de Célimène Daudet

Monterrey, Nuevo León. – Célimène Daudet, pianista clásica contemporánea de talla internacional, traerá a Monterrey su doble legado cultural, el francés y el haitiano, para compartir con los neoloneses la universalidad de la música, como parte de la celebración por los 40 años del Teatro de la Ciudad, este domingo 8 de septiembre a las 18:00 horas.  
 
El Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León, CONARTE, con el apoyo de la Secretaría de Cultura de Nuevo León y el Consulado General de Francia en Monterrey, invita al público al Concierto “Orígenes: De parís a Puerto Príncipe”, que será con entrada libre. 
Célimène Daudet dará un concierto inolvidable dedicado al mundo y particularmente a la comunidad haitiana en la Ciudad. 
 
 “Para nosotros en Monterrey, en donde tenemos una comunidad migrante importante es fundamental encontrar estas vinculaciones que podemos a través de las artes, de la creatividad y en este caso de la música”, destacó el Maestro Ricardo Marcos González, Secretario Técnico de CONARTE, al encabezar el anuncio del concierto.  
 
“El repertorio que va a tocar Célimène Daudet este domingo en la Gran Sala del Teatro de la Ciudad, incluye el segundo libro de preludios de Claude Debussy, que es una obra capital del repertorio para piano francés pero además vamos a tener la oportunidad de escuchar música de Justin Elie y Ludovic Lamothe, compositores haitianos y que también nos va a permitir ese reconocimiento cultural, en este caso musical con el que a veces no estamos familiarizados, pese a que en los últimos años hay evidentemente una relación cultural entre comunidades haitianas que han llegado a nuestra ciudad y por supuesto la comunidad regiomontana”, apuntó Marcos González.  
 
El funcionario cultural estuvo acompañado por César Tapia, director del Teatro de la Ciudad; José Manuel Blanco, encargado de Cooperación Cultural, Audiovisual y Educativa del Instituto Francés de América Latina, IFAL; Gabriela Muñoz, subsecretaria de Diversidad e Inclusión de la Secretaría de Igualdad e Inclusión estatal y Alejandro Padilla, secretario Académica de Música de la Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey.  
 
“Lo que quiero contar en este concierto es una doble historia, por un lado, la personal, la de mis orígenes; pero también la del acercamiento entre Francia y Haití, primero tocando los preludios de Debussy y después presentando piezas de compositores haitianos poco conocidos”, manifestó la pianista, quien es hija de padre francés y madre haitiana.  
 
El repertorio estará conformado por “Los 12 Preludios” del segundo libro de Claude Debussy, una obra de madurez, evocadora y simbolista con títulos poéticos y misteriosos; exploran una gama infinita de colores y resonancias inauditas, creando espacios sonoros mágicos y suspendidos, que permiten al oyente dejar volar su imaginación.  
 
“La música de Debussy nos invita a la poesía y también a una forma de libertad, defiende la libertad, valores muy necesarios tomando en cuenta los tiempos que vivimos; también es una forma estética casi de belleza pura y su producción es también una ilustración de la naturaleza”, expresó.
 
 También se incluirá “Chants de la montagne”, de Justin Elie; “Loco (extrait des Icônes Vaudouesques)”, “Feuillet d’album no.1” y “Danzas no. 1, 3 et 4” de Ludovic Lamothe, además de algunos Merengues haitianos populares.  
 
En 2016, Célimène Daudet, descubre la obra de compositores haitianos, incluyendo en su repertorio piezas de Justin Elie y Ludovic Lamothe, apodado “el Chopin negro”, piezas que sumergen al público en la intensa historia de esta nación caribeña.  
 
Estas composiciones representan un encuentro con la historia de una cultura fuerte en la que confluyen la influencia del vudú, el romanticismo europeo, las danzas caribeñas y las canciones nostálgicas. Cuentan la historia de cómo la música es también un acto de resistencia y un grito de libertad.  
 
La pianista Célimène Daudet es una solista cuya vocación interpretativa y artística son reconocidas a nivel internacional. Ha actuado en importantes recintos como el Carnegie Hall de Nueva York, la Konzerthaus de Viena y la Philharmonie de París. 
 
Formada en los Conservatorios Nacionales Superiores de Música y Danza de Lyon y París, y luego en el Centro Banff de Canadá, fue galardonada en varias ocasiones, entre ellas, el Premio Internacional Pro Musicis, el Premio Jean Français de piano y fue nombrada Artista Generación Spedidam. 
 
También ha colaborado durante varios años con el coreógrafo Yoann Bourgeois, con quien ha interpretado “El arte de la fuga” de Bach, más de cien veces en el escenario. 
 
Es la fundadora del Proyecto de Piano de Haití, lanzado en 2017 con el objetivo de traer un piano de cola a Haití y crear el primer Festival Internacional de Piano.  
 
Ha recibido el apoyo de la Fundación Safran para la Música y su trayectoria ha sido recompensada con la medalla del Senado de Francia.  
 
En palabras de Blanco, como Consulado General de Francia en Monterrey, en materia de cooperación cultural, se busca que los visitantes dejen una huella en la Ciudad, de ahí que en la agenda de la pianista se incluya, además de un encuentro con sus connacionales y una clase maestra en la ESMYDM.  
“Cuando viene un artista tenemos en mente que pueda dejar un legado, es decir, que además de su presentación, pueda tener un acercamiento con la comunidad regiomontana. Es interesante que venga un artista, pero es mucho más interesante cuando puede tener actividades que lo acerquen primero al quehacer académico y que tenga también la posibilidad de un encuentro con la comunidad regiomontana y en este caso la comunidad haitiana en Monterrey”. 
 
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Arthur Rimbaud: El Genio del Poeta Maldito

Arthur Rimbaud: El Genio del Poeta Maldito

El poeta francés Arthur Rimbaud (Charleville, 20 de octubre de 1854-Marsella, 10 de noviembre de 1891), con su vida breve pero intensa, cambió el curso de la poesía contemporánea.

Su búsqueda de la expresión auténtica y su capacidad para capturar la esencia del alma humana lo convierten en una figura imprescindible en el estudio de la literatura.  

Su legado literario perdura, desafiando a nuevos escritores a explorar los límites del lenguaje y la creatividad, recordándonos que la poesía es un viaje hacia lo desconocido, una búsqueda incesante de significado en un mundo de paradojas.  

Rimbaud, “el poeta maldito”, sigue iluminando el camino hacia la libertad literaria, inspirando a las generaciones venideras a romper las cadenas y volar con su propia voz. 

Arthur Rimbaud, es, sin duda, uno de los poetas más influyentes y enigmáticos de la literatura francesa y, por extensión, de la poesía mundial. A menudo asociado con el movimiento simbolista y considerado un precursor del surrealismo, su obra se caracteriza por una intensa búsqueda de la libertad creativa y un deseo de trascender las convenciones literarias de su tiempo.

Su vida corta y tumultuosa, así como su estilo innovador, le han valido el título de «poeta maldito». 

Rimbaud comenzó a escribir poesía a una edad temprana, y su primer poema, Le Bateau Ivre (El Barco Ebrio), fue escrito cuando tenía solo 16 años. Este poema, que refleja una experiencia de viaje y exploración, sirve como una poderosa metáfora de su espíritu libre y rebelde. Su talento no pasó desapercibido; el influyente escritor y crítico Paul Verlaine lo descubrió y los dos iniciaron una relación tumultuosa que inspiró tanto su vida como su obra. 

La obra de Rimbaud se encuentra marcada por una búsqueda de la experiencia, la percepción y la transformación. Sus poemas abren ventanas a mundos absolutamente nuevos, combinando imágenes vívidas y melodías sonoras. Su visión poética no solo desafía las normas estéticas de su época, sino que también refleja una profunda insatisfacción con la sociedad, el orden establecido y las limitaciones del lenguaje. 

Rimbaud tuvo una corta pero intensa carrera literaria, y su producción más rica tuvo lugar en un período de solo cinco años, entre 1870 y 1875. Durante este tiempo, escribió algunos de los poemas más reveladores de la literatura.

Su famoso Une Saison en Enfer (Una Temporada en el Infierno), una obra en prosa poética publicada en 1873, es una exploración visceral de la angustia, la búsqueda de la identidad y la lucha interna del artista. Se percibe como un grito de rebelión y desesperación, una carta de un alma que busca su lugar en un mundo caótico. 

Otro de sus poemas emblemáticos, Illuminations, es una colección que muestra su búsqueda de lo inalcanzable y su visión de un lenguaje poético más allá de las palabras. A través de imágenes impactantes, Rimbaud invita al lector a experimentar lo sublime, lo extraño y lo apasionante. Este trabajo no se adhiere a las formas tradicionales, sino que juega con estructuras libres y exploraciones sensoriales. 

A pesar de su temprana retirada de la poesía a los 21 años, Rimbaud dejó una huella indeleble en la literatura. Su influencia se extiende a lo largo de diversas corrientes literarias y ha dejado una marca en poetas y escritores como Pablo Neruda, el movimiento dadaísta, los surrealistas e incluso músicos y artistas visuales del siglo XX. 

La figura de “poeta maldito” representa no solo su estilo de vida rebelde y su rechazo a las normas sociales, sino también su capacidad de conectar con las luchas existenciales del ser humano. Rimbaud no solo busca la belleza, sino que explora la oscuridad, el tormento y la pasión de vivir, brindando a sus lectores una experiencia poética multidimensional.